Apprendre le chant via Internet
par Gilles Denizot

Internet offre une quantité considérable de ressources : articles, partitions, extraits sonores et vidéos. Chacun peut se rendre compte de cette offre fantastique. Comme toujours, le net propose le meilleur et le pire. La spécificité de l’enseignement du chant (et la beauté de cet art) est qu’il doit exister un contact réel entre l’enseignant et l’élève. Les notions fondamentales telles que le souffle et le passaggio ne peuvent être enseignées qu’en cours. Il est impossible de diagnostiquer un problème vocal de façon absolue et de guérir sa cause à distance. On peut souvent avoir une bonne intuition en se basant sur un extrait vocal ou sur les indications du chanteur, mais rien de plus. Les étudiants qui cherchent sur le net des remèdes miracles prennent des risques considérables.

Choisir son professeur

La tâche la plus importante qui incombe à l’apprenti chanteur est de se choisir un professeur compétent. Il est insensé d’appliquer des conseils vocaux reçus via Internet sans s’être fait entendre au préalable par le professeur. Il vous faut au moins une leçon (de préférence trois) pour vous faire une idée précise de ses connaissances techniques, ses qualités humaines, son vocabulaire, sa façon de travailler. Tous les usagers d’Internet ne sont malheureusement pas habilités à donner des conseils vocaux pertinents et avisés (ce qui ne les empêche nullement de le faire). La plupart n’ont aucune expérience professionnelle en la matière. Les recommandations seront donc au mieux inefficaces et au pire nuisibles.

Travailler en partenariat avec son professeur

Certains apprentis chanteurs cherchent des réponses via Internet en pensant éviter le coût d’une leçon. D’autres mettent en doute ce que leur enseigne leur professeur en demandant l’approbation de parfaits inconnus rencontrés dans des forums de discussion sur Internet. J’ai déjà parlé du partenariat qui doit exister entre l’élève et le maître. Il s’agit tout simplement de la confiance dans les capacités de l’enseignant et de la certitude du bien-fondé du processus de travail engagé. Sans ce partenariat, aucun progrès véritable n’est envisageable. Lorsqu’on a choisi son professeur, on doit lui faire confiance et se laisser guider. C’est avant qu’il faut se poser des questions et s’assurer de faire le bon choix. Les élèves posent souvent des questions cruciales et légitimes dans les forums de discussion sur Internet. Leurs professeurs n’y répondent-ils pas ou de façon imprécise forçant les étudiants à se tourner vers d’autres personnes ? Ces élèves cherchent-ils à obtenir ailleurs des réponses plus accommodantes ? Il m’est toujours très inconfortable de devoir émettre une opinion dans le dos du professeur officiel. Demander conseil via Internet ou suivre en cachette les cours d’un professeur prouve la détresse de ces apprentis chanteurs. Vous avez le droit à un excellent enseignement qui répond à toutes vos questions. Vous avez le droit à un contact privilégié avec votre professeur. S’il vous semble que vous ne recevez pas l’instruction que vous êtes en droit d’attendre, il vaut mieux changer d’enseignant que de glaner des recettes auprès d’inconnus.

Principaux sujets débattus sur Internet

La classification vocale, le vibrato, l’activité du larynx et le souffle/soutien font partie des grands thèmes abordés dans les forums Internet. On doit être clair : on ne peut PAS enseigner l’activité du larynx, le souffle et le soutien via Internet, et notamment en utilisant un programme tel que Skype.

• La classification vocale

Il est impossible d’indiquer la classification vocale d’un chanteur sans l’avoir entendu. Et pourtant c’est une des demandes les plus courantes. Il faut entendre la voix en situation réelle et non sur un enregistrement et pouvoir observer comment le chanteur produit le son. Pour quelle raison devrais-je conseiller à un apprenti chanteur de travailler sa voix comme ténor sous prétexte qu’il me décrit son timbre comme clair et qu’il monte facilement jusqu’au sol aigu ? Sa bouche s’ouvre peut-être horizontalement dans la montée chromatique. Un jeune homme m’a un jour fait parvenir un extrait sonore en m’assurant maîtriser parfaitement la zone du passaggio. C’était plutôt le contraire : ce qu’il prenait pour une voix aiguë était en réalité une voix poussée, de plus en plus ouverte, pour finir sur une perte totale de résonance et de timbre. Après lui avoir fait part de mes doutes quant à sa situation vocale, il me renvoya un autre extrait de même qualité. Il demanda également à un autre professeur une seconde opinion. Celle-ci fut identique à la mienne. Un internaute fera souvent remarquer que tel air lui pose un problème et que naturellement cela signifie qu’il appartient à une autre catégorie vocale. Il se peut bien que le répertoire ou la catégorie soient incorrects, mais il s’agit peut-être d’un problème technique non résolu. La non compréhension du fonctionnement du passaggio est à cet égard significatif.

Cas : Ténor lirico spinto chantant baryton
Il y a quelques années, un jeune chanteur se posait (à juste titre) des questions quant à son répertoire. Ce jeune homme de trente ans devait chanter un concert d’extraits lyriques avec orchestre à Paris. Son programme incluait Morales (Carmen), Figaro (Le Nozze di Figaro) et Publius (La Clemenza di Tito). Ce répertoire est destiné respectivement à un baryton aigu, un baryton-basse, et une basse, en aucun cas le même type vocal. Ce jeune chanteur se décrivait comme “baryton léger ou fort ténor qui étend petit à petit sa tessiture”. Son professeur pensait également qu’il était ténor, mais ne sachant comment le faire travailler, il préférait le former comme baryton “en attendant que la voix soit prête” ! Cette attitude est irresponsable et dangereuse. On doit immédiatement former l’élève dans sa véritable catégorie vocale. Laisser passer des années précieuses sans entraîner les muscles et les réflexes ne fait que ralentir le développement du chanteur. Dans certains cas, cela peut même l’empêcher définitivement d’aborder une carrière. Je précise que je ne parle que de la catégorie vocale (soprano, mezzo, alto, contre-ténor, ténor, baryton, et basse) et non des sous catégories vocales (par exemple soprano dramatique, Heldentenor, ou baryton Verdi). Si votre voix est celle d’un ténor, vous devez être entraîné comme ténor par votre professeur, pas comme un baryton sous prétexte que les aigus viendront plus tard (C.f. Le chanteur débutant). Vous ne devez pas non plus recevoir du répertoire de baryton, mais étudier des partitions appropriées pour ténor.

Après avoir pris connaissance de plusieurs messages de ce jeune homme et des diverses opinions des membres du forum, j’ai exceptionnellement fait une suggestion technique. En ne suggérant qu’une phrase hermétique, je me suis assuré qu’elle ne causerait aucun dommage vocal puisqu’elle ne comportait pas de mode d’emploi. Une brève correspondance privée débuta rapidement suivie d’une séance de consultation. En effet, il n’est possible de discuter de théorie que pendant une courte période, ensuite il faut passer à la pratique.

Comme j’étais censé faire travailler un baryton, j’ai choisi des exercices vocaux pour voix moyenne et dans une tessiture moyenne. Les registres medium et grave ne présentaient absolument aucune résonance. La catégorie basse fut immédiatement écartée. En montant dans la tessiture, la voix se modifia naturellement aux notes de passaggio du ténor. Il était évident que la classification de baryton provenait a) d’une fausse couleur sourde produite en grande partie par le larynx abaissé par la base de la langue et par le pharynx obstrué, b) par l’impossibilité de pivoter du larynx pour aborder le registre aigu du ténor. En quelques minutes de vocalises appropriées, un son magnifique de ténor sortit de la gorge du jeune homme. Avec précaution, je lui fis part de mon opinion au sujet de sa voix. C’est là qu’il me révéla avoir pensé depuis longtemps être ténor. Son soulagement était évident, comme s’il pouvait enfin être lui-même. Ce qui fut faussement diagnostiqué comme baryton (et entraîné comme tel pendant huit ans !) est en réalité un pur ténor lirico spinto. Cette faute de diagnostic engendra des nodules et une opération des cordes vocales avant notre rencontre. Il nous fallut un an de travail pour retrouver sa vraie voix grâce au changement de catégorie vocale et à un entraînement approprié.

• Le vibrato

Je me souviens du message d’un adolescent qui voulait savoir où il pouvait “acheter un vibrato pour sa voix” ! Il est stupéfiant de lire les recettes disponibles sur Internet à ce sujet. C’est comme dire “cela viendra bien avec le temps”. L’absence de vibrato cause toujours un désarroi légitime chez les apprentis chanteurs (surtout amateurs, et tout particulièrement chez les chanteuses). Tout problème de vibrato indique sans nul doute un disfonctionnement vocal et doit immédiatement servir de signal d’alarme. Lorsque la pression du souffle n’est pas régulée par les muscles du soutien, les cordes vocales ne peuvent pas osciller librement. Lorsque la langue se rétracte et abaisse le larynx, les cordes vocales ne peuvent pas fonctionner correctement. Lorsque le chanteur parvient à équilibrer sa gestion du souffle, le vibrato se manifeste naturellement. Mais tout ceci prend du temps et se travaille. Sans entraînement précis, rien ne se produit. J’ai eu l’occasion de faire travailler deux chanteuses qui se plaignaient de ne pas avoir de vibrato. Leurs cordes vocales ont vibré lors de notre première session. Cela les a sans nul doute encouragé, mais ce n’est vraiment qu’après plusieurs mois de travail sur le souffle et le soutien qu’elles ont pu chanter constamment avec du vibrato. La règle d’or “plus on pousse de l’air à travers le larynx et moins la voix résonne” est très difficile à mettre en pratique.

Absence de supervision

Le problème majeur en ce qui concerne notre sujet est l’absence de supervision. Par essence, rechercher des informations concernant la technique vocale via Internet ne donne aucun contact réel avec un instructeur vocal. L’apprenti chanteur ne bénéficie donc d’aucune explication ni d’aucun contrôle. De surcroît, l’instruction n’est pas adaptée à la situation spécifique du chanteur. Chaque élève est un cas particulier qui demande une pédagogie sur mesure. Sans cet enseignement distinctif, les caractéristiques uniques du chanteur ne peuvent être révélées et entraînées. Sans supervision, l’élève s’expose délibérement à des dommages vocaux. Même s’il vous semble que vous comprenez un article sur le chant, vous ne maîtriserez vraiment un concept qu’après en avoir reçu une explication correcte par un professeur. Cela implique l’avoir vu et entendu appliquer correctement ce principe (souvent en touchant les muscles du professeur). La supervision par l’enseignant est cruciale.

Conclusion

Ces exemples montrent qu’il est impossible d’apprendre le chant dans un livre, un CD, ou via Internet. Le net fournit des informations supplémentaires qui enrichissent notre compréhension du chant. Mais en aucun cas cela remplace l’antique forme d’enseignement. Le contact humain qui s’établit entre un Maître de chant et son élève était, est toujours, et restera l’unique façon de transmettre ce savoir ancestral, quelle que soit l’évolution des technologies.

© OperaLab – Gilles Denizot. Tous droits réservés.

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Le travail avec un chanteur débutant suit un schéma similaire, quelle que soit la catégorie vocale. Les notions fondamentales de posture et de respiration sont presque identiques. Toutefois, à partir du moment où la véritable catégorie vocale est établie, un enseignant doit la respecter. Entraîner une soprano dans le registre de mezzo n’aide en rien; faire travailler un ténor comme baryton jusqu’à ce qu’il trouve ses notes aiguës est, pour le moins, contre-productif. Il est de la plus haute importance que l’élève soit entraîné dans sa catégorie vocale appropriée.

A mes débuts en 1985, j’avais une voix puissante, riche et étrangement mûre pour mon âge. Le timbre, sombre, était bien présent; l’étendue vocale et les capacités largement supérieures à la normale. Cette voix me permit de chanter à dix-huit ans au Grand Théâtre de Genève, après seulement six mois de leçons de chant. A l’âge de vingt-deux ans, j’ai chanté le Requiem de Verdi à Paris, et ai été engagé comme soliste fixe de l’Opernhaus de Zürich. Toujours en 1991, j’ai été invité à représenter mon pays lors du concours BBC Cardiff Singer of the World. Je n’avais pas de réelles connaissances techniques, et je n’en voulais pas particulièrement non plus. J’avais des trucs pour réussir les passages délicats, et par-dessus tout, j’étais insouciant et intrépide. Après plusieurs années de carrière au niveau international, j’ai découvert ce qui m’empêchait de chanter avec constance.

Bien que je pensais fermement être ténor, j’ai été entraîné dans une fausse catégorie vocale. Etant un Heldentenor, mon instrument était plus lourd et plus sombre qu’un ténor lyrique. Ma voix ressemblait beaucoup à une voix plus grave et je ne savais pas comment accéder au registre aigu du ténor. J’aurais dû être entraîné comme ténor, et non comme baryton-basse. Ma voix devint donc plus large aux endroits où la voix de ténor doit être plus restreinte (et vice-versa). Mes muscles n’ont jamais appris à soutenir la tessiture de ténor. Cela m’a littéralement privé de ma véritable nature vocale pendant plus de quinze ans.

Déceler la catégorie vocale

Quelquefois, la catégorie vocale n’est pas clairement audible. Une soprano ou un ténor peut ne pas avoir le soutien approprié pour accéder aux notes aiguës. La voix d’une mezzo ou d’un baryton peut sembler être plus aiguë en raison d’un larynx haut. Lorsque je commence à faire travailler un débutant, je m’assure que la posture et la respiration sont entraînés. Lorsque la voix se libère, je peux détecter les notes de passage. Si le travail est effectué correctement, une voix équilibrée en sera le résultat quel que soit son registre. J’ai constaté, de par ma propre expérience, que les notes de passage bougent légèrement au fur et à mesure de l’entraînement vocal de qualité. Elles donnent tout de même une indication de même que la sensation claire de facilité dans un type de phrase vocale, de région dans la tessiture. Certains chanteurs aiment chanter aigu, d’autres pas. Cette sensation est souvent intéressante à observer chez le chanteur débutant. J’ai eu l’occasion de donner cours à un chanteur qui d’emblée me semblait être ténor. Les notes de passage n’étaient pas évidentes, notamment parce que certains ténors peuvent avoir une couleur sombre et des notes graves aisées. Néanmoins, il se produisait un changement de couleur clair et net autour du Fa#4, une note de passage typique chez une grande partie des ténors. Je savais que dès que certaines notions techniques cruciales seraient assimilées et utilisées par ce chanteur, le registre aigu pourrait se développer plus facilement au-delà de cette note de passage.

Déceler les notes de passage, ou Passaggio

Nous devons rechercher des différences de sensations et de couleurs dans la voix brute non équilibrée. Il peut être difficile de repérer la note de passage grave, notamment parce que certains ténors peuvent avoir une voix puissante et sombre, et beaucoup de résonances de poitrine dans le registre grave, qui peut même ressembler à un registre grave de baryton. On peut être trompé par la couleur de la voix. Voilà pourquoi je préfère souvent repérer le passage aigu, là où il est difficile, voire impossible, de tricher. Dans le cas d’une voix dramatique telle que la mienne, la note du passage aigu est une excellente indication. Il faut se souvenir que les sopranos dramatiques et les Heldentenöre ont un second passage ou passage aigu sur une note plus grave que leurs collègues aigus. Exemple: mon passage grave (premier passage) est autour de Do4 et mon passage aigu (second passage) sur Fa4. Ce sont typiquement les notes de passage d’un Heldentenor ou d’un ténor drammatico/robusto (C.f. les ouvrages de Frisell Tenor Voice; Baritone Voice; et de Miller Structure of Singing; Training Tenor Voices). Les ténors plus aigus (spinto, lirico etc.) passent plus haut, vers Fa#4, ou Sol4. Les ténors lyriques légers, di grazia, et les ténors Rossini peuvent même avoir un passage aigu plus élevé. Il est donc inconcevable de former tous les chanteurs de la même manière.

Les tonalités choisies dans les morceaux travaillés

Il est bon, en parallèle, de privilégier les tonalités dans lesquelles le chanteur débutant se sent à l’aise. J’ai un jour travaillé avec un chanteur sur l’Ave Maria de Schubert. Il m’a immédiatement dit que la version pour ténor (qui monte jusqu’au Fa4) était plus facile pour lui, ce qui n’est pas la réaction naturelle d’un baryton, encore moins d’une basse. Il faut se rappeler que les chanteurs partagent plus ou moins le même registre medium (cela s’applique aussi au registre medium féminin). La véritable différence se situe dans le répertoire puisqu’un ténor/soprano chante une tierce au-dessus d’un baryton/mezzo. Les catégories vocales doivent donc être respectées lors du choix du répertoire. Ainsi, mon pianiste m’a souvent suggéré de choisir une tonalité plus aiguë et plus lumineuse, notamment dans les Lieder de Schubert (écrits pour le pianoforte dont le registre grave était plus précis que les pianos modernes). En revanche, les Lieder de Mahler demandent une maîtrise absolue de la voix mixte, de la voix de tête, des registres totalement équilibrés (ce que je ne possédais pas du tout en 1991, lorsqu’un célèbre agent m’envoya chanter Die fahrenden Gesellen avec orchestre en Allemagne).

Expliquer le vocabulaire

Je débute généralement la toute première leçon en fournissant à l’élève une planche anatomique décrivant le larynx, la partie supérieur du corps, et les cordes vocales (au repos et en phonation). L’élève doit connaître les rudiments de son instrument. Il va également entendre divers termes vocaux, et l’enseignant doit les expliquer, au moment opportun (C.f. Registres).

Posture et souffle

Ce sont les deux premières notions à transmettre à un débutant. Les grands Maîtres italiens du Bel Canto consacraient toujours un temps considérable dans ce but. La postura nobile (posture noble) permet à l’instrument d’être disponible pour les études vocales. Lorsque cela est accompli, la respiration doit être expliquée et entraînée afin que l’élève en bénéficie. La gestion appropriée du souffle va libérer la tension dans le larynx et le pharynx, permettant en cela un son meilleur (C.f. Posture et souffle).

L’accolement des cordes vocales; le début et la fin du son

Le premier aspect du travail vocal doit être basé sur les concepts de début et de fin du son, ou d’accolement des cordes vocales. Tout particulièrement dans le cas d’un débutant dont les cordes vocales peuvent avoir une tendance à laisser échapper de l’air. Il existe un exercice très simple pour comprendre l’accolement et pour savoir où les cordes vocales se trouvent. Aussi bizarre que cela puisse paraître, il m’a fallu quinze ans de chant pour enfin pouvoir sentir comment les cordes s’accolent. En général, chez un homme, je commence dans la zone Sol3/La3/Si3, en descendant jusqu’à ce que la dernière note touche le registre grave mais facilement. Cette étude, combinée au travail sur le souffle, enseigne à l’élève la fonctionstaccato.

La voyelle italienne “ou”

Cette voyelle étire l’espace de la gorge au maximum comparé aux autres voyelles. L’élève peut aussi dire “a-o-ou” et ressentir ce qui change dans la gorge et la bouche. En fait, le “ou”permet au larynx de s’abaisser, entraînant par là la tension et l’affinement des cordes vocales. Je fais travailler toutes sortes d’exercices sur la voyelle “ou”; ce sont des exercices qui sont difficiles mais qui font progresser remarquablement et durablement. Par exemple, différentes versions de gammes dans les registres médium et grave, en commençant encore sur Si3/La3/Sol3. Les versions étendues de ces gammes doivent toujours être démarrées juste avant le premier passage (entre La3 et Do4) et pas plus haut pour ne pas créer de tensions qui seraient contre-productives. Il faut se souvenir que chez les chanteurs, en particulier chez les hommes, le registre aigu peut être redouté. C’est le rôle du professeur d’éviter le réflexe de peur. J’utilise ces gammes en descendant pour que la voix du chanteur se chauffe en douceur mais rapidement. Nous nous arrêtons lorsque nous touchons le registre grave; ce peut être un Sol2 pour un baryton, ou un Do3 pour un ténor.

Les voyelles pharyngées de Garcia

L’exercice de Garcia aide beaucoup à identifier chaque voyelle (son image sonore). Cette vocalise prévoit une gamme de cinq notes, langue entre les dents, puis à nouveau ces cinq notes sur les cinq voyelles (i – e – a – o – ou) langue dans la bouche. A ce moment, et par cet exercice, l’étude du legatoet l’alignement des voyelles a commencé. Je préconise de faire travailler cet exercice seulement dans le registre vocal medium. Par la suite, les chanteurs confirmés peuvent l’utiliser dans la zone du passaggio et plus haut.

Les gammes de Lindquest et de Bjoerling

Chanter plus aigu et plus vite doit aussi être enseigné. L’idée est d’alterner les voyelles fermées (i ou e) et ouvertes (a ou o) comme dans “i-o” ou “e-a”. Je propose en général au chanteur de choisir la combinaison qui lui convient le mieux. Il existe différentes versions de ces gammes, de la plus simple à la plus élaborée. C’est un moment de détente dans le travail. Avec un débutant qui est clairement un ténor, j’utilise une autre version des gammes de Lindquest/Bjoerling. Elle font travailler le pivot du larynx et l’ajustement des voyelles avec l’Umlaut. Le pivot du larynx et à l’ajustement des voyelles permet la découverte immédiate de l’élément essentiel dans l’entraînement d’une voix masculine : le passaggio et la couverture des sons. Ce sujet est de loin l’un des plus controversés. Il faut du temps (et un enseignement approprié) pour comprendre le passaggio et la couverture des sons. Lorsque cela est correctement produit, chanter dans les aigus devient agréable.

Les gammes de Caruso

Vingt-neuf versions différentes des gammes que Caruso pratiquait quotidiennement sont reproduites dans Caruso, and the Art of Singing, de Salvatore Fucito et Barnet J. Bayer (Dover). Elles sont toutes un excellent outil pour l’étude de l’ajustement des voyelles et l’équilibre des registres.

L’exercice du Cuperto

Cet exercice fait appel au registre falsetto chez l’homme, et entraîne le chant piano du registre aigu féminin. Certains chanteurs ont un falsettofacile et naturel, d’autres pas. Ces derniers ferment la gorge et poussent leur mâchoire en avant dans le but d’atteindre les notes aiguës. Il y a deux manières de résoudre cela. L’une est d’expliquer tous les paramètres avant de commencer, afin d’obtenir une sensation douce de flottement. C’est ainsi que je décrirais mon falsetto. Très pur, aucun engagement du corps autre que la posture et la gestion du souffle. Il est de la plus grande importance que la forme de la bouche soit aussi étroite et ovale que la gorge est large et ouverte. La plus grande responsabilité du professeur est de choisir la note de départ afin que le chanteur ne soit pas amené trop haut, proche de la zone du réflexe de peur. L’autre manière d’éviter la peur du falsetto est d’utiliser la version en voix pleine du Cuperto sur l’Umlaut de Bjoerling. Il semble que cette version aide davantage les ténors que les barytons.

Les vocalises de Sieber

Sieber était un professeur de chant de Vienne, formé à l’Ecole italienne du Chant. Il composa ces exercices pour ses élèves, avec des mélodies différentes pour chaque voix. Ces vocalises, publiées par Schirmer, font travailler le passaggio de manière intelligente en utilisant les voyelles fermées et ouvertes d’une façon qui rend le chant aisé, sain et techniquement correct. J’ai remarqué que des chanteurs débutant pouvaient trouver là un plaisir évident en appliquant la technique au répertoire en passant par Sieber. Cela empêche notamment l’élève de considérer d’un côté la technique et d’un autre la musique.

Appliquer la technique au répertoire

La raison principale de la technique est de mémoriser des méchanismes vocaux jusqu’à ce qu’ils deviennent des habitudes. Comme nous l’avons vu, et pour que cela devienne productif, l’élève doit être formé dans sa catégorie vocale correcte. Puis l’on applique les capacités techniques au répertoire. Pas le contraire. Les étudiants doivent réaliser que la technique et la musicalité sont deux aspects intimement liés. Un chanteur qui possède un ensemble complet d’exercices peut toujours revenir à cette base technique lorsqu’il rencontre une difficulté dans un morceau. L’étudiant devient graduellement son propre professeur, le cadeau le plus grand qu’un enseignant peut transmettre à son élève.

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